Corso Architetti internazionali del XX Secolo: Lezione 13 1953-1955 Chipperfield Perrault Sobek Diller Scofidio + Renfro Mecanoo Prakash Lacaton et Vassal

Chipperfield 1953

L'architettura di David Chipperfield deriva dalla ricerca del valore dei singoli elementi strutturali mediante un processo di riduzioneFondato nel 1985, lo studio ha quattro sedi: Londra, Berlino, Milano e Shanghai.Che si tratti di grandi architetture costruite ex-novo, come il recente sede Amorepacific di Seoul (2010–2017), di interventi sull'esistente come il Neues Museum di Berlino (1993–2009) o dei prodotti realizzati per Alessi, i suoi progetti ricercano semplicità, il rapporto con il vernacolo e la qualità dei materiali, senza smantellare modelli esistenti o tipologie architettoniche. Chipperfield è attento al rapporto tra progetto e contesto, espresso in un linguaggio compatibile con l’identità del luogo. La sua architettura non è né minimalista, né confinabile in alcuno stile, semmai derivante dalla ricerca del valore dei singoli elementi strutturali mediante un processo di riduzione. La sua architettura non è mai autoreferenziale, ma viene inserita in un processo di rinnovamento e interpretazione del territorio. Paradigmatici due degli interventi a Berlino: la ristrutturazione della Neue Nationalgalerie (2012–2019), in cui si è relazionato al progetto di Mies Van der Rohe del 1968, e il Neues Museum, in cui l'architettura contemporanea mette in luce, in base alle indicazioni della Carta di Venezia, il palinsesto storico dell'edificio ottocentesco, completandone il volume e ridisegnandone le funzioni. Chipperfield è anche un progettista amato dalle maison di moda. Ha iniziato con Issey Miyake, poi Bally, Brioni e Valentino per cui ha progettato decine di boutique in tutto il mondo, compresa quella maestosa sulla Fifth Avenue a New York. Più di recente, lo studio ha progettato Ssense, la piattaforma online per la moda.

Il West Bund Museum è una nuova galleria d'arte sulla Shanghai Corniche, una facciata di 8,5 chilometri sulla riva settentrionale del fiume Huangpu. La passeggiata collega il distretto di Xuhui allo storico Bund e costituisce una parte fondamentale del West Bund Masterplan, che prevede un nuovo distretto culturale su nove chilometri quadrati di ex terreno industriale. Il museo occupa un terreno triangolare all'estremità settentrionale di un nuovo parco pubblico, nel punto in cui convergono Longteng Avenue e il fiume. Una spianata pubblica rialzata sopra la pianura alluvionale circonda l'edificio, offrendo una vista sul fiume. Il bordo della spianata sul lato est è delineato da una serie continua di gradini con pontili che conducono all'argine del fiume. Il sito ha offerto l'opportunità di creare una struttura completamente indipendente e la sua posizione ha consentito un migliore accesso sia al fiume che al parco. L'edificio si compone di tre volumi principali della galleria posti in una formazione a girandola attorno ad un atrio centrale con atrio a doppia altezza. Questa configurazione consente a diversi componenti del museo di operare in modo indipendente. Alla lobby stessa si accede da Longteng Avenue a ovest e dalla riva del fiume a est. Quest'ultimo offre due opzioni di ingresso: il visitatore può scendere in un cortile sommerso a un livello inferiore o salire una rampa di scale dalla spianata per arrivare nell'atrio centrale a un livello superiore. Entrambi questi livelli danno accesso agli spazi della galleria principale. Il negozio e la caffetteria del museo si trovano a un livello intermedio direttamente collegato a Longteng Avenue. Ciascuno dei tre volumi principali è alto 17 metri, con un livello superiore e uno inferiore. Il livello superiore di ogni volume contiene uno spazio della galleria illuminato dall'alto. Gli spazi al livello inferiore variano in funzione, ospitando una sala polivalente, uno studio d'arte e spazi educativi. Questi sono parzialmente infossati e illuminati da finestre a lucernario. Un basso padiglione che ospita il caffè si trova in riva al fiume al livello della spianata. La sua forma allungata ha lo scopo di massimizzare la vista sul fiume mentre il suo tetto funge da generosa terrazza di fronte all'ingresso superiore. Il tetto dell'atrio rimane al di sotto della linea del tetto dei grandi volumi e dei cantilever ben oltre l'edificio verso il fiume e la strada. Alle due estremità, il tetto è sostenuto da una colossale colonna affusolata che richiama l'attenzione sugli ingressi. I tre volumi dominanti sono rivestiti con vetro riciclato traslucido, conferendo al complesso una qualità opalina. Queste facciate, che appaiono iridescenti di giorno e prismatiche di notte, contrastano con la morbida luminosità delle pensiline in gesso rivestite. La configurazione a girandola delle gallerie è rinforzata con ampie finestre alle estremità esterne che offrono viste panoramiche sul parco, sul fiume e sulla città. Il Centre Pompidou di Parigi e il gruppo pubblico West Bund hanno concordato un contratto che istituisce un partenariato culturale. Nei cinque anni successivi all'apertura, il Centre Pompidou espone nel nuovo museo una serie di mostre nell'ambito di una collaborazione culturale tra Francia e Cina.

Situato su un sito triangolare all'interno dell'area Polanco di Città del Messico, questo nuovo edificio museale espone parte di una delle più grandi collezioni private di arte contemporanea in America Latina - Colección Jumex - e fa parte di una più ampia riqualificazione urbana. Dominato da grandi edifici commerciali, il sito limitato è delineato dalla strada principale Miguel de Cervantes Saavedra, dalla linea ferroviaria Ferrocarril de Cuernavaca e da una proprietà adiacente a est. La qualità estremamente individuale degli edifici vicini prevale su qualsiasi tentativo di integrare il nuovo museo all'interno di questo particolare contesto urbano e offre l'opportunità di creare un edificio distinto che contemporaneamente valorizza il suo contesto più ampio. Dirigendosi verso il parco triangolare, l'edificio può essere descritto come un padiglione indipendente che corrisponde alla natura eclettica degli edifici vicini, che includono il Museo Soumaya e il Teatro Cervantes sotterraneo. La massa dell'edificio risponde alla pianta non ortogonale del sito, che sfrutta per fornire il massimo ingombro possibile, consegnando il programma entro i vincoli delle esigenze di pianificazione locale. La sede amministrativa e operativa principale della Fundación Jumex, così come i magazzini e la biblioteca della collezione rimangono nei locali originali di Ecatepec. Situato a Città del Messico, il nuovo edificio raggiunge un pubblico più ampio e offre uno spazio espositivo per la collezione permanente e le mostre temporanee. Gli spazi della galleria ospitano diverse tecniche di visualizzazione per soddisfare sia i curatori interni che quelli ospiti con approcci diversi. L'edificio fornisce anche una piattaforma per la discussione e le attività educative. Ulteriori eventi, tra cui conferenze, conferenze, dibattiti, conferenze e proiezioni di film, vengono condotti nelle sale della galleria piuttosto che in spazi separati appositamente progettati. Le sale espositive primarie sono situate ai due piani superiori e ottimizzano l'uso della luce diurna. Una loggia multifunzionale aperta che si trova tra le gallerie superiori e il piano terra consente ai visitatori di godere di una vista elevata dell'area circostante e della vita urbana della strada. Il formato delle piastre del pavimento e la posizione dei nuclei dell'edificio forniscono grandi stanze singole che possono essere facilmente suddivise in due o più spazi separati. Un caratteristico tetto a dente di sega crea una geometria ritmica che definisce la galleria del terzo piano. Composto da una struttura in acciaio con luci sul tetto rivolte a ovest e uno strato diffusore orizzontale, il tetto distribuisce la luce in modo uniforme per illuminare le opere d'arte e fornire luce ambientale per lo spazio. La luce può essere regolata per soddisfare specifiche esigenze curatoriali. L'intero edificio poggia su quattordici colonne e poggia su un piedistallo rialzato, consentendo al piano terra di fondersi con la piazza pubblica. Questo concetto di massimizzare lo spazio accessibile al pubblico continua dalla piazza alla loggia al primo piano dell'edificio. Lo zoccolo, le colonne, i nuclei del piano terra e del primo piano e gli intradossi sono in cemento bianco a vista, mentre le facciate, il tetto e i pavimenti dallo zoccolo in su sono realizzati in travertino di provenienza locale da Xalapa, Veracruz. Tutte le finestre sono a tutta altezza con infissi in acciaio inox. La continuità del rivestimento in travertino conferisce all'edificio un carattere solido che ricorda le tradizioni scultoree autoctone.

La nuova sede di Amorepacific, la più grande azienda di bellezza della Corea, si trova nel centro di Seoul in un sito che è stato occupato dalla società dal 1956. Si trova vicino a un'ex zona militare statunitense che si sta trasformando nell'ampio pubblico Yongsan Parco e un quartiere degli affari, che faceva parte di un masterplan che rappresentava il più grande sviluppo di grattacieli in Corea che ha modificato sostanzialmente il tessuto urbano del distretto di Yongsan. La forma dell'edificio è sia astratta che gestuale. Concentrandosi su un volume unico e chiaro, le proporzioni dell'edificio sono state attentamente sviluppate attorno a un cortile centrale per massimizzare l'efficacia della ventilazione naturale e della luce diurna. Tre grandi aperture urbane collegano questo vuoto centrale con l'ambiente esterno circostante, fornendo viste sulla città e sulle montagne in lontananza e stabilendo quindi un senso di orientamento e appartenenza. Come "giardini pensili", queste aperture danno scala e consentono alla natura di estendersi dal parco adiacente a tutte le parti dell'edificio. Il progetto elabora le ambizioni sociali, culturali e professionali dell'azienda combinando il luogo di lavoro con altre attività comuni. Alzando lo strato esterno della facciata, il livello di ingresso si apre alla città e attira il pubblico in un generoso atrio. La corte sovrastante rappresenta il centro comune del luogo di lavoro aziendale, con i giardini sopraelevati che offrono spazi ricreativi per coloro che utilizzano l'edificio. Una ricca miscela di servizi pubblici come un museo, un auditorium, una biblioteca, ristoranti e strutture per l'infanzia assicura che l'edificio non sia solo un quartier generale efficiente ma anche il volto pubblico di un'azienda vitale incorporata nella metropoli in crescita di Seoul. Le facciate con il loro diafano rivestimento brise-soleil non solo facilitano le prestazioni ambientali dell'edificio fornendo ombreggiatura e riducendo il carico termico, ma conferiscono all'edificio una forma coerente e forte ma allo stesso tempo aperta e leggera. Metaforicamente, il nuovo edificio riecheggia le aspirazioni di un'organizzazione moderna, mediando tra locale e globale, privato e pubblico, collettivo e individuale, formale e informale, stabilendo così la sua identità dinamica.

Perrault 1953

Dominique Perrault (Clermont-Ferrand, 9 aprile 1953) è un architetto e urbanista francese. Divenne celebre per la progettazione della Biblioteca Nazionale della Francia, che gli valse il Premio Mies van der Rohe nel 1996. Dominique Perrault, nato a Clermont-Ferrand il 9 aprile 1953, si è formato presso la École nationale supérieure des beaux-arts di Parigi, dove nel 1978 ha conseguito il diploma di architettura. L'inizio della sua carriera si data nel 1981 quando, dopo un periodo di collaborazione con l'Atelier parisien d'urbanisme (AMUR), fondò il proprio studio di Parigi, al quale si affiancarono successivamente quello di Berlino (1992), Lussemburgo (2000) e Madrid (2006). Tra le figure più influenti della storia dell'architettura francese, Perrault è l'autore di numerosi progetti. Dopo il lancio sulla scena internazionale, ottenuto nel 1989 con il progetto della nuova Biblioteca Nazionale della Francia, ha realizzato il Velodrom e la piscina olimpica di Berlino, l'ampliamento della Corte di Giustizia dell'Unione Europea di Lussemburgo, l'Olympic Tennis Stadium a Madrid e la torre per la compagnia di assicurazioni Fukoku, a Osaka, e la risistemazione di piazza Garibaldi, a Napoli. Numerosi sono stati i premi ricevuti dal Perrault: in ordine cronologico, si ricordano il premio Architecture et maître d'ouvrage (1983), il Grand prix national d'architecture (1993) ed il premio Mies van der Rohe (1997). Lo stile di Dominique Perrault viene magistralmente descritto da un resoconto dell'Università di Bucarest, che ha conferito all'architetto la laurea honoris causa: «La prima peculiarità dello stile di Perrault, saldamente connesso ad un categorico bisogno di arricchire l'architettura, concerne l'eloquente interpretazione di alcuni spunti tratti dal minimalismo e dall'arte concettuale. In Dominique Perrault, il vocabolario della progettazione architettonica tende ad una riduzione della sintassi, non della morfologia. La seconda riguarda il suo approccio aperto e flessibile, ben disposto ad accettare le incertezze, ma non i dogmatismi e la critica al ruolo privilegiato assunto dallo stile e dalla composizione nell'architettura moderna. La terza peculiarità mette in rilievo l'idea di come l'architettura possa essere concepita come parte di un paesaggio, entro la topografia delle relazioni fondamentali. La quarta dà particolare risalto alla sua esperienza con lo spazio e la materialità. Essendosi ispirato alla temperie modernista, le sue facciate vetrate, distaccate dalla struttura ed intensificate dalla luce, le sue creazioni in vetro o metallo […] sembrano essere un tributo alle tecnologie contemporanee, senza però mai risultarne sottomesse. L'innovazione spesso penetra il livello meramente ingegneristico.» Secondo Frederic Migayrou: «Tutto l'operato di Dominique Perrault mette in discussione gli aspetti figurali dell'architettura, la sua capacità di fornire un significato, di costruire un'immagine dinamica intessuta nei valori sociali e culturali. […] La posizione di Dominique Perrault è in bilico tra il razionalismo, teso a postulare leggi per la composizione degli elementi tipologici, ed lo strutturalismo, rivolto intensamente alla comprensione di una sintassi architettonica, in modo tale da aumentare le possibilità di interazione tra scale molto diverse di valori simbolici.»  

Sulle rive della Senna, appena a est dell'Île de la Cité e del centro di Parigi, si trovano le quattro torri scintillanti della Biblioteca Nazionale di Francia. Piegate intorno alla periferia di una spianata pubblica, queste torri sono la versione moderna di Dominique Perrault della secolare tradizione parigina dell'architettura pubblica monumentale. Il progetto è sia volume che vuoto, recinzione ed esposizione, una giustapposizione di idee contrastanti che è tanto riverente del suo posto in un'eredità millenaria quanto deliberatamente autocritica. La biblioteca iniziò come la più ambiziosa di una lunga serie di imprese architettoniche - i Grands Projets - guidate dal presidente François Mitterand negli anni '80 e all'inizio degli anni '90. Insieme all'Istituto del mondo arabo, il Parc de la Villette, la famosa controversa Pyramide al Louvre e altri, questi progetti miravano a creare un nuovo insieme di monumenti moderni per una città definita da tempo dalla sua architettura. Nel 1989, Mitterand lanciò un importante concorso per progettare la nuova biblioteca nazionale, attingendo a 244 architetti di tutto il mondo. Fu con grande stupore dei più quando il giovane francese, Perrault, vinse il concorso a soli trentasei anni. Il design di Perrault è un gioco provocatorio sul ruolo tradizionale della grande architettura pubblica a Parigi. Trasporta un senso di monumentalità e iconicità visiva che è, ovviamente, familiare ai parigini, ma la biblioteca è decisamente moderna negli affetti e progressista nell'etica. La frivolezza e l'indulgenza vengono respinte a favore di un linguaggio minimalista. I portici classici, le sculture in pietra e le espressioni ornamentali di ricchezza e potere sono sostituiti da vetro, acciaio e legno stagionato, la tavolozza sobria ed economica delle masse urbane e un ritorno agli ideali della metà del secolo. Negli interni, moquette rossa, legni naturali e finiture eleganti sono signorili ma sobri con gusto. Per i visitatori e i residenti del 13 ° arrondissement, la biblioteca è accessibile e inclusiva, utilizzando la sua enorme impronta non per appropriarsi ma per creare uno spazio pubblico liberato. Dalla riva del fiume, una spettacolare scalinata lunga un isolato conduce i visitatori dal marciapiede alla spianata pubblica e ai passaggi sopraelevati che collegano le quattro torri. Tra il suo design aperto e le sue funzioni educative, la biblioteca è un monumento programmatico e simbolico agli ideali socialisti, una qualità sicuramente non persa per il presidente di sinistra che ha venduto con entusiasmo il progetto al popolo francese. Al centro della spianata sopraelevata c'è un vasto cortile centrale. È scavato e riempito da alberi, come se l'ambiente urbano fosse marcito e riempito di vita. Al suo interno sono piantati duecentocinquanta querce, pini selvatici e betulle, un'oasi che emerge dalle ceneri di un sito industriale abbandonato. Il messaggio del design è chiaro: al centro del progetto - e forse al centro della conoscenza umana - c'è la natura, non l'uomo e la sua urbanistica. In contrasto con altri modelli di architettura monumentale parigina, l'edificio non lavora per glorificare se stesso, ma piuttosto per giocare con il dramma del vuoto e del vuoto. I recinti circostanti, insieme alle torri stesse, contengono una sequenza apparentemente infinita di strutture bibliotecarie. Quasi 3.600 spazi studio riempiono le sale di lettura, adiacenti ad acri di uffici, gallerie e sale conferenze. Con quattrocento chilometri di scaffali, la collezione della biblioteca è in grado di ospitare una sorprendente ventina di milioni di volumi, rendendola il più grande archivio di libri in Francia e tra i più grandi al mondo. Sebbene siano fisicamente e simbolicamente spostate dal centro del progetto, le quattro torri angolari erano tutt'altro che marginali per l'architetto. Costruiti utilizzando un'elaborata doppia facciata, sono visivamente complessi e stratificati, rifrangendo un'esposizione prismatica di luce naturale e artificiale che è sia espressione artistica che segnaletica mirata. Perrault descrive la sua ispirazione: "Una luce diafana salirà attraverso gli interni delle torri di vetro, culminando in quattro punti più alti, che brilleranno come quattro fari del faro. Questa luce liquida si diffonderà sulla piazza, mentre le torri si rifletteranno la Senna. ". Al suo completamento nel 1995, la biblioteca ha ricevuto una serie di prestigiosi premi internazionali, tra cui il Premio Mies van der Rohe dell'Unione Europea nel 1996. Ma la sua accoglienza critica è stata decisamente mista, soprattutto per coloro che avevano lottato per allontanare l'architettura dalle lingue decontestualizzate del modernismo del dopoguerra che la biblioteca sembrava reincarnare. Anthony Vidler, in particolare, ha messo in guardia contro le conseguenze urbane delle visioni di Perrault di "deserto di asfalto", sostenendo che la biblioteca "ci riporta a un disprezzo per la strada urbana non espresso con tale ferocia dai fulmini di Le Corbusier in L'Intransigeant nel 1929". 6] Tuttavia, per il giovane Perrault, l'ambiziosa competizione di Mitterand fu a dir poco la commissione di una vita, lanciando da solo la prolifica carriera internazionale di Perrault. Nota: lo scorso novembre, per celebrare il ventesimo anniversario del completamento della biblioteca, DPA ha lanciato un nuovo sito web che documenta la storia del progetto.

 

Il Lightwalk non è solo un componente architettonico, fa anche parte del territorio e dal pavimento della città. Definito come intervento Land Art, appartiene alla scala della città, in dialogo con il fiume Han, il fiume Tancheon e le montagne sullo sfondo. È un gesto minimalista, ma incredibilmente  potente, che segna la presenza di un nuovo grande stazione di trasporto integrata nel Città di Seoul. Si estende tra le due strade del distretto di Gangnam, Bongeunsaro e Teheranro, il Lightwalk crea un intervento paesaggio che collega i due assi e funge da marker, un segnale. Come una regola, una riga segnare il territorio e fornire un'unità di misura, altrimenti fuori scala del tessuto urbano, realizzato ampie strade tentacolari e grattacieli tali di una futura torre GBC. Il Lightwalk crea un file nuovo orizzonte. Radicato nel terreno, simboleggia la rinascita di Seoul, che punta a diventarne di più pedonale, un punto di riferimento per tutte le infrastrutture sotterranee in mondo, dove gli utenti possono godere del luce naturale e aria nel Groundscape.

Sobek 1953

Werner Sobek (nato il 16 maggio 1953) è un tedesco architetto e ingegnere strutturale . Werner Sobek è nato nel 1953 ad Aalen , in Germania . Dal 1974 al 1980 ha studiato ingegneria strutturale e architettura presso l' Università di Stoccarda . Dal 1980 al 1986 è stato borsista post-laurea nel progetto di ricerca "Strutture leggere a campata larga" presso l'Università di Stoccarda e ha conseguito il dottorato di ricerca in ingegneria strutturale nel 1987. Nel 1983, Sobek ha vinto la Fazlur Khan International Fellowship della SOM Foundation . Nel 1991 è diventato professore presso l' Università Leibniz di Hannover (successore di Bernd Tokarz ) e direttore dell'Istituto per la progettazione strutturale e i metodi di costruzione. Nel 1992 ha fondato la sua azienda Werner Sobek che ora ha uffici a Stoccarda , Francoforte , Londra , Mosca , New York e Dubai . L'azienda ha oltre 200 dipendenti e lavora con tutti i tipi di strutture e materiali. Le sue principali aree di competenza sono costruzioni leggere, grattacieli, design di facciate, costruzioni speciali in acciaio, vetro, titanio, tessuto e legno, nonché la progettazione di edifici sostenibili. Dal 1994 è professore all'Università di Stoccarda (successore di Frei Otto ) e direttore dell'Institute for Lightweight Structures e del Central Laboratory for Structural Engineering. Nel 2000 ha assunto la presidenza di Jörg Schlaich e ha fuso l'Istituto per le strutture leggere e l'Istituto per la costruzione e il design nell'Istituto per le strutture leggere e il design concettuale (ILEK). Sia nella ricerca che nell'insegnamento, l'ILEK dell'Università di Stoccarda unisce l'aspetto del design che è dominante in architettura con il focus sull'analisi e la costruzione dall'ingegneria strutturale e dalla scienza dei materiali. Sulla base di un approccio orientato agli obiettivi e interdisciplinare, l'istituto si occupa dello sviluppo concettuale di tutti i tipi di costruzione e strutture portanti, utilizzando tutti i tipi di materiali. Le aree di interesse spaziano dalla costruzione con tessuti e vetro fino a nuove strutture in cemento armato e precompresso. Dai singoli dettagli all'intera struttura, l'approccio si concentra sull'ottimizzazione della forma e della costruzione rispetto all'uso di materiali ed energia, durata e affidabilità, riciclabilità e sostenibilità ambientale. I risultati di questo lavoro sono pubblicati nel periodico bilingue ( tedesco / inglese ) dell'istituto (IL) o pubblicati individualmente in rapporti di ricerca speciali su argomenti particolari. Nel 2008 Werner Sobek è stato nominato professore Mies van der Rohe presso l' Illinois Institute of Technology di Chicago . In riconoscimento dei suoi molteplici risultati accademici, l' Università Tecnica di Dresda gli ha conferito un dottorato onorario nel 2009. Werner Sobek è conosciuto per i suoi prototipi di case ecosostenibili e autosufficienti come R 128 e H16. Un noto concetto di studio di Werner Sobek è "R-129" che utilizza una pelle di poliuretano su un telaio in fibra di carbonio, conferendogli pareti più sottili dei gusci d'uovo. Il suo impegno per la sostenibilità si riflette anche nel suo coinvolgimento nel Consiglio tedesco per l'edilizia sostenibile (DGNB, Deutsche Gesellschaft für Nachhaltiges Bauen ), di cui è co-fondatore nel luglio 2007. È stato membro del consiglio di amministrazione della DGNB fino a giugno 2013 e serve come presidente dall'aprile 2008 al giugno 2010. Nel dicembre 2011 ha anche fondato lo Stuttgart Institute of Sustainability (SIS), un'associazione senza scopo di lucro che mira a promuovere la ricerca sulle nuove tecniche di costruzione sostenibile. Ha presentato un discorso programmatico e co-presentato nel seminario Ridurre la CO2 - Con la tecnologia a zero emissioni al 3 ° Forum Internazionale Holcim 2010 a Città del Messico ed è nella giuria degli Holcim Awards 2012. La sua ricerca in strutture leggere, materiali e le tecniche e le tecnologie associate riceve un Global Award for Sustainable Architecture nel 2019.

Diller Scofidio + Renfro 1954

Diller Scofidio + Renfro è uno studio di design interdisciplinare americano che integra architettura , arti visive e arti dello spettacolo . Con sede a New York City , Diller Scofidio + Renfro è guidato da quattro partner - Elizabeth Diller (1954) , Ricardo Scofidio , Charles Renfro e Benjamin Gilmartin - che lavorano con uno staff di architetti, artisti, designer e ricercatori. Lo studio è stato fondato da Elizabeth Diller e Ricardo Scofidio nel 1981; Charles Renfro è entrato a far parte nel 1997 ed è diventato partner nel 2004. Benjamin Gilmartin è diventato partner nel 2015. Elizabeth Diller ha frequentato la Cooper Union School of Art e ha conseguito una laurea in architettura presso la Cooper Union School of Architecture. È Professore di Architettura presso la Princeton University School of Architecture e visiting professor presso la Bartlett School of Architecture . Nel 2009, Diller è stato selezionato da Time Magazine come una delle "100 persone più influenti al mondo". Ricardo Scofidio ha frequentato la Cooper Union School of Architecture e ha conseguito un Master in Architettura presso la Columbia University . Scofidio è Professore Emerito di Architettura presso Cooper Union. Charles Renfro ha frequentato la Rice University e ha conseguito un Master in Architettura presso la Columbia University Graduate School of Architecture, Planning and Preservation . Renfro è stato professore in visita presso la Rice University e la Columbia University, tra gli altri. Dal 1999 al 2004 la Fondazione MacArthur ha premiato il lavoro dello studio con il premio 'genio' , affermando di “aver creato una forma alternativa di pratica architettonica che unisce design, performance e media elettronici con teoria e critica culturale e architettonica. Il loro lavoro esplora il funzionamento dello spazio nella nostra cultura e illustra che l'architettura, intesa come manifestazione fisica delle relazioni sociali, è ovunque, non solo negli edifici ".  Il corpo internazionale delle opere architettoniche completate di Diller Scofidio + Renfro include il Lincoln Center for the Performing Arts Redevelopment a New York (compresa la riprogettazione di Alice Tully Hall ), la ristrutturazione e l'ampliamento della Juilliard School , l'Hypar Pavilion Lawn and Restaurant, [5 ] l'ampliamento della School of American Ballet , i lavori di ristrutturazione dell'atrio del New York State Theatre , l'ingresso a baldacchino per la Fashion Week al Lincoln Center, gli spazi pubblici in tutto il campus, Information Landscape e il President's Bridge.

Situato a Here East nel Queen Elizabeth Olympic Park di Londra, il V&A East Collection and Research Center reinventerà l'idea di archivio e deposito museale. Con un progetto guidato da Diller Scofidio + Renfro (e supportato da Austin-Smith: Lord), il Centro di raccolta e ricerca porterà i tesori fuori dal magazzino e alla vista del pubblico per la prima volta da generazioni. Il centro sarà una casa appositamente costruita per 250.000 oggetti, 350.000 libri e 1.000 archivi della collezione V&A di moda, tessuti, mobili, teatro e performance, lavori in metallo, ceramica, vetro, scultura, architettura, dipinti e design del prodotto. I visitatori saranno invitati in un viaggio dietro le quinte che scopre e dimostra come e perché gli oggetti vengono raccolti, come vengono curati, conservati e ricercati e come aiutano a dare un senso al nostro passato, presente e futuro come parte di mostre e programmi pubblici. Una sala di raccolta pubblica centrale capovolgerà il deposito. Sarà esposta una ricca gamma di oggetti che i visitatori potranno esplorare, da alcune delle più piccole curiosità della collezione alle stanze più grandi e significative e ai frammenti di edifici. I punti salienti includeranno l'ufficio di Frank Lloyd Wright degli anni '30 per Edgar J Kaufmann Jr. - un interno in compensato unico e completo del XX secolo - e un soffitto intarsiato del XV secolo dall'ormai distrutto Palazzo di Altamira vicino a Toledo, in Spagna, che sarà resuscitato nel centro come un vero e proprio elemento architettonico sopra un nuovo spazio pubblico per mostre ed eventi. Ulteriori spazi all'interno del Centro ospiteranno mostre pop-up, laboratori, spettacoli e proiezioni insieme a incontri dal vivo con il lavoro del museo, dalla conservazione e ricerca alla preparazione della mostra. Questo nuovo modello si basa sul continuo successo del The Clothworkers 'Centre for the Study and Conservation of Textiles and Fashion, situato a Blythe House, a ovest di Londra, dove è attualmente conservata la collezione V&A. Verrà creata una galleria di visualizzazione dedicata per mostrare una mostra mutevole di grandi oggetti arrotolati raramente visti dalla straordinaria collezione del V&A di stoffe, tappeti, tessuti, arazzi e dipinti per palcoscenici teatrali, tra cui uno sfondo teatrale largo 15 metri disegnato da Natalia Goncharova per la produzione londinese dei Ballets Russes del 1926 di Firebird di Stravinsky. Il V&A Collection and Research Centre aprirà nel 2023 come parte dell'East Bank, un nuovo concentrato di cultura, istruzione, innovazione e crescita che prende forma nel Queen Elizabeth Olympic Park come parte dell'eredità olimpica di Londra 2012.

 

 

 

 

 

 

Dopo il posticipo di Tokyo 2020, l’anno prossimo assisteremo a delle Olimpiadi che registreranno due nuovi record: oltre ad essere il primo rinvio ufficiale, i Giochi verranno disputati in un anno che termina con un numero dispari. Nell’attesa della ripartenza e mentre la fiaccola olimpica continua ad essere accesa come un faro di speranza, la comunità sportiva mette a segno un altro fondamentale passo per l’inclusione.A Colorado Springs, dopo sei anni dal concorso e dal cantiere, questa estate apre finalmente le porte il Museo Olimpico e Paralimpico progettato dallo studio di architettura Diller Scofidio + Renfro. Con una superficie di oltre 55mila metri-quadri, il Museo nasce come una grande galleria tra le tappe storiche dei team olimpionici e paralimpionici USA.Il progetto si compone di quattro volumi disposti a ventaglio e uniti da una grande rampa, il cui riferimento non può che essere il Guggenheim di New York, progettato da Frank Lloyd Wright nel 1943. Nel caso del Museo Olimpico e Paralimpico, la rampa oltre a diventare l’elemento architettonico di connessione tra i volumi, rappresenta il percorso più agevole che guida i visitatori lungo la storia del team. Larga 1,8 m, è infatti adatta ad accogliere il movimento fianco a fianco di due persone inclusa una sedia a rotelle. Il museo, la cui progettazione ha coinvolto gli atleti dei team USA, nasce infatti con l’obiettivo di essere uno degli spazi espositivi più accessibili e interattivi al mondo, con un tour personalizzabile in base alle esigenze di accessibilità.Lo studio, fondato a New York nel 1979 da Elizabeth Diller e Ricardo Scofidio ai quali si aggiunge, dal 2004, Charles Renfro, non è nuovo a progetti da record. Dopo essersi fatti conoscere a livello internazionale nel 2002 per il Blur Building, lo studio nel 2009 ha progettato il parco cittadino sopraelevato di New York, The High Line. Oltre a riconoscimenti e onoreficenze, i progettisti hanno aggiunto al loro portfolio musei di rilevanza internazionale, come il Broad Museum di Los Angeles e The Shed a New York.Per il Museo di Colorado Spring, l’intero volume è stato avvolto da una superficie metallica composta da oltre 9000 pannelli in alluminio anodizzato piegato che, disposti seguendo la luce, producono sfumature di colore e tonalità che accentuano l’idea di movimento e dinamismo già suggerite dalla forma curva dell’edificio. I visitatori, una volta entrati all’interno del Museo e dopo aver personalizzato il proprio percorso, vengono condotti all’ultimo piano e, imboccate le rampe rigorosamente in discesa così da facilitare gli spostamenti, possono leggere e rivivere i traguardi del team a stelle e strisce.Al percorso museale si aggiungono un teatro, uno spazio per eventi, un caffè ed una piazza terrazzata che si presta ad ospitare eventi all’aperto, che si tratti di giochi invernali o estivi. Con il loro progetto, lo studio internazionale Diller Scofidio + Renfro sfata il mito per il quale progettare prestando attenzione all’inclusività può avere delle ripercussioni estetiche: gli interni, curati in ogni minimo dettaglio, rispettano i requisiti per i disabili, con particolare attenzione per quanto riguarda, tra le altre cose, i parapetti realizzati in vetro così da avere una visibilità a bassa altezza e pavimenti lisci per facilitare i movimenti di una sedia a rotelle.

 

Il grande centro multifunzionale firmato da Diller Scofidio + Renfro restituisce cultura a un quartiere che negli ultimi anni ha visto proliferare le proprietà immobiliari private Una vera tempesta di rimostranze sta per abbattersi su Hudson Yards, il mega progetto di sviluppo urbano da 25 miliardi nel West Side di Manhattan, che minaccia di sommergere in un mare di polemiche il tanto atteso complesso culturale progettato da Diller Scofidio + Renfro in collaborazione con Rockwell Group. Inaugurato all’inizio di aprile accanto alla High Line, lo Shed è un polo artistico multidisciplinare metallico e argenteo alto otto piani, 18.500 metri quadrati avvolti da un involucro semovente di acciaio e plastica semi trasparente che può distendersi in cinque minuti fino raddoppiare la superficie calpestabile della struttura con grande efficacia. Concepito come centro per collaborazioni artistiche interdisciplinari, l’edificio e il suo guscio dispiegabile sono in grado di ospitare mostre di pittura, scultura e media digitali, grandiose performance multimediali di danza, musica e teatro, e soprattutto mescolanze di quanto sopra. Questo frutto dell’ingegno di Liz Diller, socia fondatrice di DS+R – gli architetti della High Line e del Broad Museum a Los Angeles – e David Rockwell di Rockwell Group, famoso per i suoi progetti spettacolari e pluripremiati di spazi teatrali, ristoranti e alberghi, lo Shed nasce grazie al cambio di destinazione d’uso deciso nel 2005 dalla città di New York per la riqualificazione dello scalo ferroviario del West Side. Il progetto richiedeva la costruzione di una piattaforma sopra lo scalo di Long Island al costo di circa due miliardi di dollari, quindi la presentazione di un piano di sviluppo attuabile e il capitale per realizzarlo. La città imponeva che, come parte della valorizzazione di questo sito di 100 mila metri quadrati, chi avesse vinto l’appalto ne avrebbe dovuto destinare 1.950 a una non meglio definita struttura culturale, senza avere in mente alcun tipo di istituzione in particolare. Quando, nel 2008, una società immobiliare si aggiudicò i diritti edificatori, Diller e Rockwell decisero di collaborare in risposta alla richiesta da parte della città di proposte per la realizzazione di un complesso dedicato alla cultura. «Abbiamo iniziato col chiederci di cosa avesse bisogno New York che già non ci fosse», spiega Liz Diller. «Esistono già moltissime entità culturali dedicate alle arti visive, come gallerie e musei, e molte che soddisfano le necessità delle arti performative, come teatri e centri a esse riservati. Ma quello che manca a New York è un unico luogo deputato a tutte le arti, sotto uno stesso tetto». In quel momento il centro culturale era più che altro un’idea: non era stato stanziato alcun fondo per finanziarlo e all’epoca il mercato immobiliare statunitense era appena crollato, insieme al mercato dei titoli garantiti da crediti ipotecari. Il primo costruttore si ritirò dall’accordo di leasing da un miliardo di dollari per Hudson Yards e venne rimpiazzato da Related Companies. «L’idea suscitava grande entusiasmo – racconta Diller – ma a quel punto il concetto era: “Perché non lo realizzate e vediamo che succede?”». Il progetto era tenuto in vita da una donazione del National Endowment of the Arts e nel 2013, prima che Bloomberg terminasse il suo mandato, la città stanziò 50 milioni di dollari, poi aumentati a 75. Lo Shed è composto da tre elementi base. Il Bloomberg Building è lo spazio coperto principale, in cui trovano posto due gallerie aperte e prive di colonne con 2.430 metri quadrati di spazio espositivo e un flessibile teatro da 500 posti, che può essere configurato in diversi teatri più piccoli. Chiamato come il sindaco Mike Bloomberg, la cui amministrazione promosse il piano di sviluppo e la cui Fondazione donò 75 milioni di dollari al progetto, è racchiuso da pareti di vetro su tre lati, mentre il quarto si inserisce nella base di 15 Hudson Yards, un grattacielo residenziale di 88 piani e 285 unità con 107 appartamenti ad affitti accessibili, sempre disegnato da DS+R e Rockwell in un progetto insolitamente commerciale per DS+R. Ma occupandosi della progettazione di entrambi, gli architetti hanno potuto integrare tra loro le meccaniche dei due edifici, inserendo gli uffici e i locali di servizio all’interno del palazzo e liberando così spazio extra per la programmazione dello Shed. «Abbiamo potuto progettarli come un insieme», racconta Diller. Infine c’è il McCourt, un guscio d’acciaio su ruote avvolto in una membrana di Etfe (un polimero fluorato) simile a un cuscino. Il McCourt poggia su ruote a doppio binario realizzate come nelle gru a portale; un sistema a pignone e cremagliera sul tetto fa muovere la struttura avanti e indietro. All’interno, il soffitto del palcoscenico alla sommità è dotato di ogni tipo di attrezzatura di sollevamento, illuminazione, gru industriale e sistema di schermatura per poter appendere qualsiasi cosa dall’alto e illuminare il palcoscenico, per esibizioni di fronte a 1.200 spettatori seduti e più di 2.000 in piedi. Il McCourt prende il nome da un terzo donatore miliardario, l’investitore immobiliare Frank McCourt Jr. In definitiva l’obiettivo del progetto è offrire la massima flessibilità e spazi riconfigurabili, insieme a dotazioni tecniche aperte e predisposte anche al modo in cui gli artisti realizzeranno le loro opere in un futuro lontano. «L’idea era creare un’infrastruttura aperta, perché non sappiamo come sarà l’arte né quello che gli artisti faranno tra dieci, venti, trent’anni», conclude Diller.

 

 

 

Progettato in collaborazione con James Corner Field Operations e Piet Oudolf, The High Line è un parco pubblico lungo 1,5 miglia costruito su una ferrovia sopraelevata abbandonata che si estende dal Meatpacking District agli Hudson Rail Yards a Manhattan. Ispirato dalla bellezza malinconica e indisciplinata di questa rovina postindustriale, dove la natura ha recuperato un pezzo di infrastruttura urbana un tempo vitale, il nuovo parco interpreta la sua eredità. Traduce la biodiversità che ha messo radici dopo essere caduta in rovina in una serie di microclimi urbani site specific lungo il tratto di ferrovia che includono spazi soleggiati, ombreggiati, umidi, asciutti, ventosi e riparati.
Attraverso una strategia di agricoltura - in parte agricoltura, in parte architettura - la superficie della High Line viene digitalizzata in unità distinte di pavimentazione e piantumazione che vengono assemblate lungo i 1,5 miglia in una varietà di pendenze dal 100% pavimentazione al 100% morbida, ricca di vegetazione biotopi. Il sistema di pavimentazione è costituito da singole tavole prefabbricate in calcestruzzo con giunti aperti per favorire la crescita emergente come l'erba selvatica attraverso le fessure del marciapiede. Le lunghe unità di pavimentazione hanno estremità affusolate che si pettinano in aiuole creando un paesaggio strutturato e "senza sentieri" in cui il pubblico può vagare in modi senza copione. Il parco ospita il selvaggio, il coltivato, l'intimo e il sociale
Lo sperone
The Spur, l'ultima sezione della High Line che si estende a est lungo la 30th St. e termina sopra la 10th Ave., unendo il parco con Hudson Yards. È dotato di una piazza su larga scala per la programmazione pubblica e l'arte, aree per sedersi e riunirsi e due fioriere "inclinate" di grandi dimensioni che presentano un lussureggiante ambiente boschivo.

Mecanoo 1955

Mecanoo è uno studio di architettura fondato a Delft nel 1984 dagli architetti Francine Houben (1955), Henk Döll, Roelf Steenhuis, Erick van Egeraat e Chris de Weijer. Gli aspetti caratteristici dei progetti dello studio sono le componenti tecniche e giocose, che si combinano negli ambiti architettonici e urbanistici in modi talvolta poco ortodossi e rivolgendo particolare attenzione al ruolo della luce.

 

La Brink Tower attirerà l'attenzione con 28 piani (circa 90 metri di altezza) e, una volta completata, ospiterà circa 400 nuovi residenti. Questa nuova torre, situata in una posizione privilegiata e facilmente accessibile dalla stazione centrale di Amsterdam tramite il servizio di traghetti, costituisce il collegamento tra il quartiere di Van der Pek e Overhoeks. La Brink Tower diventerà presto un quartiere verticale verde, sostenibile e vibrante, con una grande varietà di case che ospiteranno un gruppo eterogeneo di persone che potranno vivere, lavorare, studiare, fare affari e rilassarsi in modo piacevole. E tutto questo in un ambiente verde e salubre. Il piano offre una soluzione alla grave carenza di alloggi di alta qualità per giovani professionisti, principianti, giovani coppie, studenti (internazionali) e ricercatori ad Amsterdam. I piani del progetto consistono in circa 400 case, comprese 120 case in affitto sociale (nel limite dell'affitto sociale), 30 case di cura, uno spazio di incontro per il quartiere e più di 250 proprietà in affitto nel segmento medio. La Brink Tower avrà un attraente zoccolo, con (oltre agli ingressi a tutte le case) varie strutture commerciali tra cui ristorazione e negozi locali. Oltre agli investimenti nella qualità sociale e nella salute dei futuri residenti della Brink Tower, anche il concetto tecnico di questo grattacielo stesso è estremamente sostenibile. Un punteggio EPC inferiore a 0 si ottiene attraverso la combinazione di numerose celle fotovoltaiche sui vari tetti, terrazze e facciate e la realizzazione di ulteriori strutture di sostenibilità. Inoltre, le varie terrazze e coperture sono dotate di cosiddetti tetti a polder, il che significa che può avvenire lo stoccaggio dell'acqua e creare delle zone verdi. L'acqua piovana raccolta viene riutilizzata durante la stagione di crescita per irrigare questi giardini pensili. Inoltre, si stanno compiendo sforzi per raggiungere una mobilità sostenibile fornendo auto e biciclette elettriche condivise. L'elegante ed elegante torre è stata appositamente progettata per consentire la massima interazione possibile tra tutti i residenti delle diverse tipologie abitative, così come i nuovi residenti e gli abitanti esistenti dell'area circostante. Le varie strutture commerciali, le aree comuni e il luogo di incontro conferiscono un carattere invitante, ulteriormente valorizzato dal verde intorno alla torre e dalle varie terrazze che l'edificio possiede.

La ristrutturazione del Midtown della New York Public Library migliorerà e unirà l'intera gamma di offerte disponibili in tutto il sistema bibliotecario, dai servizi di circolazione e di ricerca alle risorse aziendali e ai programmi educativi per tutte le età. La Stavros Niarchos Foundation Library (SFNL) - la più grande filiale circolante della Biblioteca precedentemente nota come Mid-Manhattan - è destinata a subire una trasformazione che creerà una nuova biblioteca all'avanguardia che fungerà sia da modello che da catalizzatore per un sistema bibliotecario ringiovanito. Il team di Mecanoo e Beyer Blinder Belle ha lavorato per oltre un anno analizzando i dati sull'utilizzo delle biblioteche, intervistando il personale, sondando il pubblico e incontrando le parti interessate della comunità per garantire che la nuova filiale soddisfi al meglio le esigenze degli utenti della biblioteca. La filiale rinnovata avrà un drammatico muro di scaffali a più piani: la Sala Lunga; un centro di competenze per l'occupazione che occupa un intero piano e un piano adiacente che fornisce aiuto per la ricerca di lavoro e sostegno alle piccole imprese; un intero piano dedicato a una biblioteca per bambini e una biblioteca separata per ragazzi; posti a sedere aggiuntivi; e una delle uniche terrazze pubbliche gratuite sul tetto di Midtown.

 

 

Situato vicino all'antica porta meridionale della città di Seoul, il mercato di Namdaemun è il mercato più antico e più grande della Corea del Sud. Fin dai suoi inizi come mercato gestito dal governo nel 1414, è diventata un'importante destinazione 24 ore su 24 per il commercio e una popolare attrazione turistica. La storia del mercato e le tradizioni regionali hanno ispirato il progetto di un edificio per uffici contemporaneo, collegando passato e presente. Massimizzando l'allocazione del terreno, lo snello edificio di 14 piani si trova elegantemente su un terreno d'angolo di fronte al mercato. Il suo aspetto sobrio e monocromatico funge da contrappeso alla vivace frenesia dell'attività incessante del mercato. Il ruolo delle cornici delle facciate va oltre la decorazione. Crea continuamente atmosfere diverse, filtrando la luce in entrata e creando ombre negli spazi interni. Il rapporto tra l'edificio e l'ambiente circostante riflette lo scorrere del tempo, mutando dal giorno alla notte. Durante il giorno il materiale della facciata riflette la luce del sole, mentre di notte l'edificio risplende dall'interno, rivelando il suo caratteristico motivo di facciata al mercato e oltre.

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Il Museo Boijmans Van Beuningen ha una collezione internazionale unica. Boijmans considera le ali degli architetti Van der Steur (1935, monumento nazionale) e Bodon (1972, monumento nazionale in corso) come parte della collezione. Entrambe le ali vengono riportate alla loro forza originale e con l'aggiunta dell'ala Mecanoo, l'insieme del Museo Boijmans Van Beuningen si trasforma in un complesso splendidamente chiaro con una buona logistica sia per i visitatori che per il retro della casa. Anche il Giardino del Museo sta subendo una metamorfosi. Negli anni il museo è diventato un labirinto a causa dei numerosi lavori di ristrutturazione. L'ingresso è difficile da trovare, il pubblico ha uno scarso orientamento e si perde. La logistica del retro della casa è sempre stata molto problematica. C'è una manutenzione in ritardo e molto amianto in luoghi difficili. Boijmans non ha una facciata e il Giardino del Museo nel Parco del Museo sembra essere posizionato sul retro. Mecanoo introduce un passaggio trasparente, serpeggiante organicamente tra gli edifici di Van der Steur e Bodon. Un passaggio pubblico di città in parco e di parco in città. Boijmans si sta trasformando da introverso a estroverso, da chiuso ad aperto, da castello a museo, dove interno ed esterno si intrecciano. Sembra quindi naturale e organico. È proprio in contrasto che entra in una composizione armoniosa con le ali di Van der Steur e Bodon. Il passaggio Mecanoo crea un nuovo ingresso al Parco del Museo con l'introduzione di un Padiglione del Parco nell'attuale parcheggio delle ville sul Westersingel. Questo padiglione del parco avrà uno spazio espositivo in parte a doppia altezza. È una nuova esperienza per i visitatori: dall'alto si può vivere l'arte dal passaggio pubblico senza biglietto. Il Padiglione del Parco ospita anche il ristorante con vista sul giardino del Museo. Le idee di Bodon e Van der Steur vengono rispettate, ripristinate e se possibile anche rafforzate. Sono necessari una serie di interventi chirurgici per rendere il museo accessibile a tutti i gruppi target e per migliorare la logistica del retro casa. Le fondamenta e gli scantinati dell'espansione di Robbrecht e Daem nel 2003 vengono riutilizzati. Ciò rende nuovamente visibili le ali di Bodon e Van der Steur, rendendo i percorsi a piedi chiari e logici. Il nuovo Boijmans è un catalizzatore per una connessione e una cooperazione più forti con le istituzioni circostanti nel Parco del Museo: Depot, Nieuwe Instituut, Kunsthal, Storia Naturale, Museo Chabot e Arminius. Con il suo Museumpark, il Museo Boijmans Van Beuningen diventerà un luogo per gli abitanti di Rotterdam e per i visitatori della città. È così che Rotterdam presenta il suo parco culturale a livello internazionale. Con il rinnovato Museo Boijmans Van Beuningen come attore centrale e nel ruolo di connettore. Con un ingresso generoso e il negozio del museo su Museumparkstraat, l'ala Mecanoo si apre successivamente in un foyer multifunzionale nel sito di Buitenhof. È il foyer per i visitatori degli spazi espositivi nelle ali Bodon e Van der Steur e dà anche accesso al Buitenhof. Mecanoo introduce un passaggio trasparente, serpeggiante organicamente tra gli edifici di Van der Steur e Bodon. Un passaggio pubblico di città in parco e di parco in città. Boijmans si sta trasformando da introverso a estroverso, da chiuso ad aperto, da castello a museo, dove interno ed esterno si intrecciano. Sembra quindi naturale e organico. È proprio in contrasto che entra in una composizione armoniosa con le ali di Van der Steur e Bodon. Il Padiglione del Parco avrà uno spazio espositivo in parte a doppia altezza. È una nuova esperienza per i visitatori: dall'alto si può vivere l'arte dal passaggio pubblico senza biglietto. Ciò offre al Museo Boijmans una vasta gamma di spazi nel suo complesso totale: rotondo, ovale, rettangolare, organico con varie altezze e con diverse forme di luce diurna. La storia della Terra di Hoboken, Witteveen, Van der Steur e Yves Brunier può essere vissuta nel Parco del Museo. Mecanoo aggiunge componenti sostenibili: più acqua, più natura e più biodiversità. In un parco cittadino contemporaneo, utenti e visitatori vogliono potersi muovere, rilassarsi, giocare e incontrarsi. Il nuovo Boijmans è un catalizzatore per un più forte collegamento e cooperazione con le istituzioni circostanti nel Parco del Museo: Depot, Nieuwe Instituut, Kunsthal, Storia Naturale, Museo Chabot e Arminius. È così che Rotterdam presenta il suo parco culturale a livello internazionale. Con il rinnovato Museo Boijmans Van Beuningen come attore centrale e nel ruolo di connettore.

Prakash 1955

Sheila Sri Prakash (nata il 6 luglio 1955) è un architetto e urbanista di origine indiana. È la fondatrice di Shilpa Architects ed è la prima donna in India ad aver avviato e gestito il proprio studio di architettura. Sheila Sri Prakash è nata a Bhopal, in India, il 6 luglio 1955 dal tenente colonnello GKS Pathy, un ufficiale dell'esercito indiano, e da S. Thangamma. Da bambina si è formata nella danza classica indiana, nella musica e nelle arti. Ha iniziato a imparare il Bharatanatyam quando aveva quattro anni e ha dato la sua prima esibizione sul palco Arangetram nel 1961, quando Padma Bhushan Dhanvanthi Rama Rau la definì una bambina prodigio . Sheila ha dimostrato un talento come ballerina Bharatanatyam e Kuchipudi ,  e ha anche suonato lo strumento musicale Veenai . Per un periodo di quasi due decenni come artista,  si esibì come ballerina di Bharatanatyam  e Kuchipudi. La sua famiglia si trasferì a Chennai per darle maggiori opportunità nelle arti classiche e per essere addestrata a Bharatanatyam da Sri Dandayudha Pani Pillai. Era una studentessa del Dr. Vempati Chinna Satyam ed è stata protagonista in molti dei suoi drammi di danza. Ha praticato Bharatanatyam, Kuchipudi, Veenai , musica classica indiana , pittura e scultura . Come artista Veenai , ha suonato, composto e registrato Radha Madhavam e Sivaleela Vilasam con il musicista Veenai Chitti Babu . Ha frequentato la Rosary Matriculation School di Chennai e ha conseguito una laurea pre-universitaria presso lo Stella Maris College, Chennai . Si iscrive al Diploma di laurea in Architettura presso l' Anna University School di Architettura e Pianificazione , nel 1973, in un momento in cui c'era un forte pregiudizio contro le donne entrano nel campo., e ha frequentato la Graduate School di Harvard di design 's Executive Education Programma. È considerata uno dei principali architetti dell'India ed è annoverata tra le donne architette più influenti al mondo oggi, avendo progettato e completato oltre 1200 progetti architettonici, molti dei quali sono noti per l'uso delle arti e della cultura locali e il patrimonio come ispirazione per i suoi progetti. È nota per le teorie architettoniche che circondano Reciprocity in Design . Il suo lavoro spazia dalla Reciprocal House a basso costo per i diseredati socioeconomici che ha progettato su invito della Banca Mondiale nel 1987, al primo edificio commerciale ad alta efficienza energetica del suo genere , bungalow personalizzati , comunità residenziali, township integrate, strutture industriali, musei d'arte, stadi sportivi, centri educativi, infrastrutture pubbliche e hotel di lusso.  I risultati della sua ricerca sono particolarmente rilevanti nelle economie ad alta densità in rapido sviluppo. Il suo lavoro in spaciologia, in particolare per quanto riguarda la sanità e l'industria del tempo libero, del benessere e dell'ospitalità, esamina l'impatto dell'ambiente costruito sul comportamento umano, attraverso la progettazione urbana , l'architettura e sociologia. È stata membro fondatore dell'istituzione dell'Indian Green Building Council . Molti dei suoi progetti architettonici possono essere visti a Mahindra World City, New Chennai , alla Madras Art House al Cholamandal Artists 'Village , all'accademia d'arte Kuchipudi di Chennai, alla stazione ferroviaria di Paranur e al progetto urbano finanziato dalla Banca Mondiale. programma di sviluppo abitativo nell'anno del ricovero per i senza ricovero. Ha combinato i principi del Bharatanatyam, la musica classica indiana, la scultura e l'architettura in progetti premiati Nel 1993, ha progettato una casa a Chennai con materiali riciclati e ha aperto la strada a un sistema per la raccolta dell'acqua piovana . Questo sistema è stato reso obbligatorio dallo stato del Tamil Nadu nel 2003. Ha stabilito un progetto in tutta l'India, come la soluzione più efficace ed a basso costo per affrontare la crisi dell'esaurimento delle fonti di acqua dolce in India. Ha introdotto tecniche vernacolari e culturalmente rilevanti nei progetti contemporanei. È nota per aver utilizzato l'arte e la cultura indiana come parte integrante dei suoi progetti, per ottenere reciprocità e sostenibilità .

Lacaton et Vassal 1955

L'agenzia Lacaton et Vassal è uno studio di architettura formato dall'associazione di Anne Lacaton e Jean-Philippe Vassal nel 1987. Anne Lacaton (nata il2 agosto 1955 a Saint-Pardoux-la-Rivière in Dordogna) è un architetto francese. Laureata alla Scuola Nazionale di Architettura di Bordeaux nel 1980 , ha completato i suoi studi con un DESS in urbanistica presso l'Università di Bordeaux nel 1984 . Dal 1982 al 1988 ha lavorato come ricercatrice e architetto per il laboratorio e il laboratorio didattico del centro di architettura Arc en rêve a Bordeaux . Jean-Philippe Vassal (nato il 22 febbraio 1954 a Casablanca , Marocco ) è un architetto francese. Laureato alla Scuola Nazionale di Architettura di Bordeaux nel 1980 , ha lavorato come architetto-urbanista in Africa occidentale ( Niger ) dal 1980 al 1985. Anne Lacaton e Jean-Philippe Vassal hanno unito le forze nel 1987 e hanno creato l'agenzia Lacaton et Vassal.La casa Latapie, che hanno costruito a Floirac , nella Gironda , nel 1993 , così come i loro primi progetti all'Università di Grenoble , sembrano essere laboratori delle loro convinzioni architettoniche. Sin dai primi lavori si sono distinti utilizzando tecniche industriali o agricole, sia minimali che economiche, la loro architettura evita ogni monumentalismo e promuove una "estetica dell'essenziale". L'approccio di Anne Lacaton e Jean-Philippe Vassal si basa su una costante preoccupazione per la qualità d'uso e sulla certezza che sia necessario inventare nuovi spazi abitativi, più aperti e spaziosi; standard abitativi, vecchi di mezzo secolo e ancora in uso, che non soddisfano assolutamente le esigenze e lo stile di vita contemporanei. Per raggiungere questi obiettivi di spazio e comfort, e produrre le loro generose architetture che offrano la massima capacità di utilizzo e appropriazione, Anne Lacaton e Jean-Philippe Vassal sono attenti al contesto, all'economia generale del progetto e all'ottimizzazione dei sistemi costruttivi ; in particolare, stanno cambiando l'immagine dell'edilizia sociale Cité Manifeste a Mulhouse dove si tratta di liberare gli standard (grandi volumi open space, giardini d'inverno, allestimenti personalizzabili). Particolarmente sensibili alla vita e all'anima dei luoghi che occupano, Anne Lacaton e Jean-Philippe Vassal affermano di essere architetti il ​​cui scopo non è quello di produrre sofisticati oggetti architettonici. La loro filosofia è quella di lavorare sull'economia dei mezzi ma non rientrare tuttavia in un'architettura standardizzata e priva di significato. Al contrario, credono che progettare attenti a costi e mezzi permetta di “stimolare l'intelligenza (…) e di fare il più possibile con il meno possibile. " Nominati per il Moniteur's Silver Square nel 1996 per l'Università Pierre-Mendès-France di Grenoble , nominati nel 1997 per il V th European Union Prize for Contemporary Architecture Mies van der Rohe a Barcellona , hanno ricevuto il National Grand Prize for Young Talent Architecture , dal Ministero della Cultura, nel 1999; quasi dieci anni dopo, Anne Lacaton e Jean-Philippe Vassal sono vincitori del Premio Nazionale di Architettura 2008, assegnato il2 luglio presso il Ministero della Cultura di Parigi. Alla fine del 2009, l'artista visivo francese Xavier Veilhan lo ha integrato nella serie Les Architectes , presentata nei giardini della Reggia di Versailles. Le statue di A. Lacaton e J.-P. Vassal sono stati così presentati accanto a quelli di Claude Parent , Norman Foster e Renzo Piano . Il 23 giugno 2010, il Ministero della Cultura e della Comunicazione ha assunto il duo di architetti per la gestione del progetto di sviluppo delle terre desolate del Palais de Tokyo a Parigi . Avevano già presieduto la riabilitazione di una parte dell'ala ovest di questo edificio dedicato alla creazione contemporanea. Nel novembre 2011, Frédéric Druot, Anne Lacaton e Jean-Philippe Vassal vincono il premio Piazza d'Argento per la riabilitazione della torre Bois-le-Prêtre a Parigi. Nel 2018, il Global Award for Sustainable Architecture premia il loro approccio sostenibile alla creazione di valore, promuovendo l'appropriabilità da parte dei residenti. Nel marzo 2021, Anne Lacaton e Jean-Philippe Vassal hanno vinto il Premio Pritzker per tutto il loro lavoro.